HAKANAICompagnie AMCBDanseuse AKIKO KAJIHARATHEATRE DE ROANNEMARS 2014

Hakanaï .- efímero, frágil y transitorio.






Hakanaï es un performance multimedia donde un bailarín confluye con el mundo físico, el onírico y el virtual. Creado y dirigido por Adrien M y Claire B,  Hakanaï  es una composición dancística e instalación digital, en la que se sitúa a un bailarín dentro de un espacio tridimensional en forma de cubo, el cual está formado por 4 pantallas sobre las que se proyectan imágenes de 360º en movimiento.


Tres elementos convergen en vivo: bailarín, artista/director (productor de las imágenes digitales) y una mezcla de música electrónica, acústica y ambiental, los cuales crean un universo gráfico en constante evolución, imágenes que responden a la música y al movimiento del bailarín.


En este espacio se entrelaza lo físico con el mundo virtual a partir del uso de tecnología, se percibe la dualidad entre una realidad física y tangible como es el cuerpo humano y un mundo subjetivo como el de los sueños.


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Basados en diferentes modelos de física, Adrien M y Claire B crearon un software  llamado EMotion diseñado especialmente para este performance. Esta app (dispnible para su uso libre) permite crear imágenes digitales que responden a los movimientos del bailarín que se encuentra en el centro del cubo, de esta forma el ejecutante puede tener un diálogo con las imágenes que se mueven en tiempo real.


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Hakanaï podría referirse a lo efímero y frágil que es la existencia, ya sea real o no.  El bailarín se disuelve en el espacio onírico, se mueve despacio, no hay una historia lineal, no existe el tiempo.


Un mundo de ideas e ilusiones se concentran en ese espacio cúbico del cual el ser humano es dueño y privilegiado de poder transformar  -aunque a veces se le olvide-.   Inconsciente mueve el velo, solo para entrar a otra ilusión. Disfruta, juega, contempla, lucha e  imagina vivir. Fragmentos de realidades ilusorias que la psyque toma y las refleja en los diversos mundos: físico, onírico y virtual.


Por Paulina Garcia


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Divine Imagination, forgive my blindness, open all my Eyes. Reveal the Light of Truth. Let original Beauty. Guide my every
stroke. - Artist’s Prayer


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Este viernes 6 de Noviembre la Ciudad de México será sede de una gran fiesta que se detonará con la visita de Alex y Allyson Grey, quiénes compartirán su arte a través de diversas actividades: pintura en vivo, exposición de su obra, más una buena dosis de música y visuales.


Para quienes están en búsqueda del despertar de conciencia a través de diversas vías y acciones,  o simplemente para los gustosos del arte contemporáneo, este es un buen momento para apreciar el arte visionario y la pintura psicodélica de Alex Grey, quien a través de sus obras conecta la estética con la espiritualidad, la anatomía con la geografía de la energía humana, el mundo invisible con el físico.


Muchos se han identificado con la obra de Grey, él mismo comenta que hay mucha gente que después de ver su obra se le han acercado para decirle que ellos han visto exactamente lo mismo que en sus pinturas al estar en estados de meditación con o sin psicodélicos. A mí me pasó, recuerdo perfectamente cuando vi por primera vez la obra de Grey y despertó en mi esa sensación de luces y cosquilleo, y ahora que hago meditación, visualizo con mayor fuerza esa energía que siempre ha estado ahí y que a veces se estanca.


Apreciar la obra de Grey me hace recordar que somos seres con energías que viajan por el cuerpo y se unen con el universo.


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Datos del evento:


(+18) IFE OBLIGATORIA
6 DE NOVIEMBRE de 7:00PM  a 5:00AM


DJS invitados: 
-PEPE WASH 8:00pm (glitch) https://soundcloud.com/pepe-wash
-INFAMOUS 10:00pm (glitch)
-HAMELIN 12:00pm (deep techno) https://soundcloud.com/hamelin
-JOSSIE TELCH 2:00am (tech-house) https://soundcloud.com/jossie-telch
-INTERACTIVE NOISE 3:30am (progressive) https://soundcloud.com/interactivenoise


EN EXPOSICIÓN:
*BANNERS GIGANTES DE LAS PINTURAS DE ALEX GREY CON EFECTOS VISUALES
*ARTE ORIGINAL DE ALEX GREY. (ONE TASTE)
CABEZA DEL MAYAN WARRIOR PINTADA A MANO POR ALEX GREY. facebook.com/MayanWarriorBurningman
*VISUALES POR VIZUALTERMINAL
*DECO DELIRIA
*MAS POR CONFIRMAR…


COSTO: $450
LUGAR: AV CONSTITUYENTES 876


Compra de boletos
Website del artista


Por Paulina Garcia


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2015 fue declarado por la ONU como año Internacional de la Luz y con este llega a la Ciudad de México Visual Art Week, festival en donde el arte y la tecnología se fusionan con los espacios públicos más representativos del Distrito Federal.


Bellas Artes
Plaza Río de Janeiro
La Alameda Central
Atrio de San Francisco
Museo Jumex
Glorieta de la Palma


Durante la semana del 3 al 8 de Febrero el público podrá recorrer de manera gratuita un circuito de innovación creativa, con talleres y pláticas en el Centro Cultural España, además de actividades interactivas e intervenciones urbanas de video mapping, performances audiovisuales e instalaciones lumínicas.


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Como parte del festival Visual Art Week del próximo 2015, Squidsoup, un colectivo internacional de artistas digitales, presentarán una parte de su famosa serie de Ocean of Light, en las instalaciones del Museo Jumex de la ciudad de México. Esta será la única intervención del festival que se lleve a cabo en un espacio cerrado debido al ambiente inmerso y emotivo del que trata la obra: Sumergirse a la luminosidad de un espacio digital rodeado de puntos inertes, como si se tratase de los pixeles de una pantalla.


Submergence01 from squidsoup on Vimeo.



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SEPTIEMBRE 26, 2014
ENERO 18, 2015

Yayoi Kusama. Obsesión Infinita es la primera muestra retrospectiva en América Latina de una de las artistas japonesas más relevantes de nuestro tiempo. La exposición presenta un recorrido exhaustivo a través de más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013, que incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones. Se presenta la trayectoria de la artista desde el ámbito privado a la esfera pública, desde la pintura al performance, del estudio a la calle.


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La muestra ha viajado por el continente americano, pasando por Argentina y Brasil, y llegará al Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México.














MuseoTamayo.org


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Unna es el centro internacional dedicado a la luz en el arte y acaba de lanzarn la primera convocatoria del premio internacional de “Light Art”, que iluminará la trayectoria de un joven artista de forma anual a partir del año que viene. Esta competición artística nace con la intención de promover artistas que trabajan dentro del campo del “light art”, y ofrece un primer premio de 13.500 dólares, además de otros tres para otros merecedores candidatos.


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El premio coincide con el Año Internacional de la Luz de la UNESCO en el 2015, una iniciativa respaldada por la Asamblea General de la ONU, cuyo objetivo es destacar la importancia de la ciencia y tecnología basadas en la luz que son capaces de promover un desarrollo sostenible y ofrecer soluciones a los problemas mundiales relacionados con la energía, la educación, la agricultura y la sanidad. Con esta iniciativa, el 2015 podría convertirse en un hito en la historia del “light art”, con el museo Unna sirviendo de epicentro creativo del campo.


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El primer y único museo en el mundo completamente dedicado a este tipo de arte, se encuentra en un remoto edificio situado a casi tres horas de Berlín. En el 2002, la ciudad de Unna empezó a plantearse cómo podía convertir una vieja fábrica de cerveza en algo especial. Concretamente, su intención era crear un espacio espectacular aprovechando todos esos turbios y oscuros sótanos del edificio. “¿No es un espacio ideal para hacer algo con luces?”, dijo John Jaspers, comisario del museo, a The Creators Project en una conversación telefónica.


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Recorrer la exposición permanente es como flotar a través de una breve historia de la luz en el arte, sobre todo desde que Jaspers “invitara al Rembrandt y al Van Gogh del light art” a que expusieran sus obras, refiriéndose a Olafur Eliasson y James Turrell. El museo también tiene una sección para exposiciones rotativas, en la que ahora mismo se puede el trabajo de un artista de instalaciones holandés llamado Jan Van Munster, conocido por la creación de obras luminosas en espacios públicos. Los ganadores del premio “Light Art” podrán instalar sus obras en el museo el próximo enero.


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Instalaciones/Luz y Fuerza: cine expandido
Aisel Wicab, Alejandro Marra Mejía, Magdaluz Bonilla Atrián, Manuel Garibay y Sebastián Solórzano
Fechas: del 25 de julio al 15 de agosto de 2014
Distrito Federal, México
Muestra del Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios 2013


Este programa comienza en 2004 fue una apuesta al futuro. Es increíble que cada emisión convoque a creadores más y más jóvenes, lo que nos muestra que el futuro nunca está cerca, aunque creamos que nos alcanza por momentos.


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BICINEETICO es un proyecto del colectivo Luz y Fuerza : Cine Expandido, el cual se ha desarrollado durante el 2013 con el incentivo económico y asesorías del Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Multimedia (CENART). Este trabajo abarca diversos procesos de investigación, diseño, producción y montaje que resultan en cuatro diferentes instalaciones lumínicas de animación experimental.

BICINEETICO consiste en la producción de máquinas para la elaboración de diversos sistemas de proyecciones cinéticas. Cada sistema interviene el espacio con imágenes en movimiento, ofreciendo al espectador diferentes recorridos por las instalaciones y múltiples lecturas de la obra y de su narrativa.

Las imágenes proyectadas exploran la relación entre el hombre y la tecnología; la pérdida de fronteras entre lo orgánico, lo inorgánico, lo natural y lo artificial. Nuestra técnica retoma procesos artesanales propios de la pintura, la gráfica y la fotografía en combinación con herramientas digitales.


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Es un homenaje a las animaciones precinematograficas, en especial al trabajo de Eadweard Muybridge, a manera de instalación interactiva. Ésta se compone de 2 partes: una formación circular de doce proyectores de diapositivas, construidos artesanalmente y de bajo consumo, que se suspende a 2.5 m del suelo, y un bicigenerador de energía que alimenta los proyectores y permite que el usuario interactúe con las proyecciones. La instalación funciona al encontrarse alguien pedaleando y, según la velocidad del pedaleo, cambia la de las proyecciones. Los proyectores son de madera y su óptica no funciona con lupas de bajo costo. Están equipados con un circuito electrónico que permite conectarlos en secuencia, para que mediante una programación de Arduino las proyecciones se animen en el espacio. La imagen proyectada es una intervención de una secuencia original de Eadweard Muybridge, mediante el uso de la técnica de light painting.





www.colectivoluzyfuerza.com


Luz y Fuerza :: Cine Expandido / México / 2012


Conjugan cine experimental, artes visuales, escenografía y diseño industrial. Trabajan con luz, tecnología y espacio, exploran la imagen en movimiento y conciben máquinas audiovisuales que cuestionan la producción y el consumo del cine convencional. Proponen una nueva forma de hacer cine con aparatos diseñados y construidos por ellos mismos, que utilizan para instalaciones de cine expandido, en vivo y talleres de cine hecho a mano. Conciben la máquina como una herramienta para mejorar el entorno: la tecnología puede ser utilizada como resistencia a los medios masivos de producción audiovisual. Buscan difundir estrategias que generan una relación equilibrada entre entorno, medios de producción e individuos. Se identifican con la cultura libre, creative commons y open hardware. Trabajan con diversas comunidades de artesanos, artistas y público en general. Su trabajo ha sido presentado en diversos recintos, han dado charla e impartido varios talleres.


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En el marco de la quinta edición del festival de música All My Friends, MusicMakers Hacklab, el evento colaborativo diseñado por Peter Kirn dentro del festival DISK CTM de Berlín, extiende una línea de diálogo hacia la comunidad creativa del norte del país con el fin de encontrar nuevas formas de creación y expresión musical.


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MMHL_TJ es un laboratorio de 3 días facilitado por Michael Trigilio y Leslie García, dirigido a desarrolladores de hardware/software, makers, músicos, compositores, diseñadores interactivos, artistas, o cualquier interesado en los procesos de creación DIWO de la música electrónica, dentro del cual se busca desarrollar sistemas standalone para generar sonido electrónico como:

Theremines
Secuenciadores de pasos de 8 y 16 bits – Consolas Atari punk
Sintetizadores de modelado analógico
Generadores de tonos y de efectos

Y su interacción con dispositivos como: interfaces ópticas, biológicas y mecánicas.








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Star Wars (1977)


Ralph McQuarrie (1929-2012) diseñador conceptual e ilustrador americano. En 1975, George Lucas le pidió a McQuarrie que ilustrará algunas escenas del guión para Star Wars. McQuarrie diseño a varios de los personajes de la película como Darth Vader, Chewbacca, R2-D2 y C3PO. También dibujo muchos de los conceptos para los sets de la película.


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“Hice mi mejor esfuerzo por traducir como pensé que debería verse la película, realmente me gustaba la idea. Pensé que la película no sería filmada. Me daba la impresión de ser demasiado costosa, pensé que no habría una audiencia lo suficientemente grande. Es muy complicado, pero George Sabía muchas cosas que yo no sabía.” – Ralph McQuarrie.


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Algunos de los conceptos McQuarrie son distintos a los de la película terminada. En sus representaciones las espadas láser eran de un solo color y eran portadas también por los Storm Troopers y otros personajes no Jedi/Sith, esto fue antes de que Lucas desarrollara por completo la mitología y las convirtiera en un arma Jedi. Otras de sus ilustraciones son muy similares a las escenas de la película terminada.


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“Ralph fue la primera persona que contrate para ayudarme a visualizar Star Wars. Su genialidad bajo la forma de una producción de pinturas sin igual. Impulso e inspiro a todo el cast y crew original de la trilogía de Star Wars.” – George Lucas


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El Imperio Contraataca (1980)


Es realmente un testimonio de cuan importante fue que haya tal conexión entre muchas de estas icónicas imágenes y las escenas de la película. La manera en que el los ilustró, fue una influencia en esos personajes, en como actuaban.” George Lucas.



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“Cuando las palabras no podían expresar mis ideas, siempre podía apuntar a una de las ilustraciones de Ralph y decir hazlo así.” – George Lucas


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“Ser capaz de crear nuevos personajes, vehículos y mundos. Y debido a que cuando empecé no estaba claro si la película se haría. No tenía porque limitarme.” – Ralph McQuarrie


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Fue McQuarrie quien sugirió que Darth Vader tuviera un aparato respiratorio. George había descrito a Darth Vader con ropa negra holgada. En el guión, Vader tenía que saltar de un nave a otra. Para sobrevivir al vacío espacial sentía que necesitaba algún tipo de mascara para respirar George dijo OK. cuando sugería agregarle un casco de samurai y así nació Darth Vader. Así de simple. – Ralph McQuarrie


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El Regreso del Jedi (1983)


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“Ralph era una persona muy especial por muchas mas razones que su innegable talento con un pincel.Más allá de las películas, su arte ha inspirado a más de dos generaciones de jóvenes artistas todos aquellos que aprendieron a través de Ralph que la películas se diseñan. Su influencia en el diseño será resentida por siempre. No cabe ninguna duda que en algunos centenares de años, increíbles naves espaciales se elevarán, futuras ciudades serán erigida y alguien en algún lado, dirá eso parece como algo que Ralph McQuarrie hubiera pintado.” – George Lucas.


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PARALLAX

El Laboratorio Arte Alameda y la Asociación de Artistas de Finlandia presentan la primera entrega de “Parallax – resonancias geográficas”. La muestra estará abierta al público del 30 de abril hasta el 6 de julio del 2014.

“Parallax – resonancias geográficas” es un proyecto enfocado en desarrollar un intercambio a largo plazo entre la escena artística actual de México y Finlandia.

El miércoles 30 de abril​, 19:30 h.​ es la inauguración de Parallax || resonancias geográficas, la exposición incluye obras de Adel Abidin, Cleaning Women, Veli Granö, Tommi Grönlund y Petteri Nisunen, Kalle Hamm y Dzamil Kamanger, Minna Henriksson, Sasha Huber & Petri Saarikko, IC- 98, Elina Juopperi, Tellervo Kalleinen & Oliver Kochta – Kalleinen, Kaisu Koivisto, Erkki Kurenniemi, Antti Laitinen, Kinobox Obscura, Seppo Renvall, Mika Taanila, Roi Vaara, y Elina Vainio.



Roi Vaara


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Roi Vaara es uno de los artistas de performance más reconocidos internacionalmente. Nació en 1953 en Moss (Noruega), pero se crió en Helsinki, Finlandia, donde ha causado constante controversia en el mundo del arte desde principios de los años 80.


Parallax || resonancias geográficas
30.04.2014 ► 19:30 h. #EntradaLibre
Laboratorio Arte ​A​lameda
Dr. Mora 7, Centro. México.


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Como parte de su celebración del 30 Aniversario, del Halsey Institute of Contemporary Art en el College of Charleston presenta a partir del 22 de mayo la exposición titulada “The Insistent Image : Recurrent Motifs in the Art of Shepard Fairey and Jasper Johns” presenta a la par las nuevas obras de Shepard Fairey con un estudio de impresiones por Jasper Johns. Mark Sloan, director y comisario de exposiciones Halsey Institute, explica que ellos querían “enfocarse en los logros de los dos hijos del país como una manera de demostrar el hecho de que el arte contemporáneo importante puede originarse en cualquier parte”. En esta ocasión se exhibirán grabados de Jasper Johns producidos entre 1982 y 2012 y grabados, pinturas y otras obras sobre papel de Shepard Fairey. Por otra parte, Shepard Fairey producirá un mural a gran escala cerca en la ciudad bajo el lente de las cámaras del cineasta Brett Novak quien realizara el documental de la exposición.


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FLYERS: