Divine Imagination, forgive my blindness, open all my Eyes. Reveal the Light of Truth. Let original Beauty. Guide my every
stroke. - Artist’s Prayer


One-Taste-Alex-Grey


Este viernes 6 de Noviembre la Ciudad de México será sede de una gran fiesta que se detonará con la visita de Alex y Allyson Grey, quiénes compartirán su arte a través de diversas actividades: pintura en vivo, exposición de su obra, más una buena dosis de música y visuales.


Para quienes están en búsqueda del despertar de conciencia a través de diversas vías y acciones,  o simplemente para los gustosos del arte contemporáneo, este es un buen momento para apreciar el arte visionario y la pintura psicodélica de Alex Grey, quien a través de sus obras conecta la estética con la espiritualidad, la anatomía con la geografía de la energía humana, el mundo invisible con el físico.


Muchos se han identificado con la obra de Grey, él mismo comenta que hay mucha gente que después de ver su obra se le han acercado para decirle que ellos han visto exactamente lo mismo que en sus pinturas al estar en estados de meditación con o sin psicodélicos. A mí me pasó, recuerdo perfectamente cuando vi por primera vez la obra de Grey y despertó en mi esa sensación de luces y cosquilleo, y ahora que hago meditación, visualizo con mayor fuerza esa energía que siempre ha estado ahí y que a veces se estanca.


Apreciar la obra de Grey me hace recordar que somos seres con energías que viajan por el cuerpo y se unen con el universo.


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Datos del evento:


(+18) IFE OBLIGATORIA
6 DE NOVIEMBRE de 7:00PM  a 5:00AM


DJS invitados: 
-PEPE WASH 8:00pm (glitch) https://soundcloud.com/pepe-wash
-INFAMOUS 10:00pm (glitch)
-HAMELIN 12:00pm (deep techno) https://soundcloud.com/hamelin
-JOSSIE TELCH 2:00am (tech-house) https://soundcloud.com/jossie-telch
-INTERACTIVE NOISE 3:30am (progressive) https://soundcloud.com/interactivenoise


EN EXPOSICIÓN:
*BANNERS GIGANTES DE LAS PINTURAS DE ALEX GREY CON EFECTOS VISUALES
*ARTE ORIGINAL DE ALEX GREY. (ONE TASTE)
CABEZA DEL MAYAN WARRIOR PINTADA A MANO POR ALEX GREY. facebook.com/MayanWarriorBurningman
*VISUALES POR VIZUALTERMINAL
*DECO DELIRIA
*MAS POR CONFIRMAR…


COSTO: $450
LUGAR: AV CONSTITUYENTES 876


Compra de boletos
Website del artista


Por Paulina Garcia


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EL CENTRO CULTURAL BORDER INAUGURA LA EXPOSICIÓN COLECTIVA “LA MEJOR PERSONA DEL MUNDO” PROYECTO CURATORIAL DE ANA LAURA MARTÍNEZ CARERA Y LA INTERVENCIÓN “SIN TÍTULO” DE SMITHE.


“LA MEJOR PERSONA DEL MUNDO”
Exposicion colectiva


Proyecto curatorial de Ana Laura Martínez Carera.

La muestra colectiva reúne obra de los artistas: Apolo Cacho, Aram Ponce Franco, Dantón del Aguila, Enrique Minjares, “Kacho” Valdés, Gustavo Abascal, Heliodoro Francisco Cruz, José Luis Rojas y Máximo González.

La inauguración de entrada libre es el próximo Jueves 15 de Agosto a las 20 horas y estará abierta hasta el 5 de Septiembre de 2013.


postal web-LaMejorP-FINAL


“SIN TÍTULO”
Intervención de espacio SMITHE


La inauguración de entrada libre es el próximo Jueves 15 de Agosto a las 20 horas y estará abierta hasta el 5 de Noviembre de 2013.


postal web-Smithe-FINAL


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Tania Candiani


Laboratorio ARTE ALAMEDEDA presenta:

CINCO VARIACIONES DE CIRCUNSTANCIAS FÓNICAS
Y UNA PAUSA

Tania Candiani


cincovariaciones


Texto por
FrhFlux

La artista mexicana Tania Candiani, presenta “Cinco variaciones de circunstancias fónicas y una pausa” en el Laboratorio de Arte Alameda, la exposición que se inaugura este martes 30 de octubre a las 20:00 hrs , estará abierta al público hasta marzo del 2013.

En “Cinco variaciones…” se presentan seis piezas creadas exprofeso para esta exposición, donde la utilidad y sonoridad característica de distintos procesos y artefactos, sirven como punto de partida para establecer vínculos por un lado entre máquinas y/o técnicas y por el otro, entre lenguaje y su codificación, así cómo con la narración y las textura sonoras provocadas por esta.

Para la elaboración de cada pieza, Tania Candiani se ha valido de un extenso e importante grupo de colaboradores entre los que encontramos programadores, escritores, cineastas, sonidistas y un escribano.

Esta exposición contará además con distintas actividades paralelas entre las que destacan un taller impartido por Pedro Soler sobre los cruces conceptuales entre imaginario, magia y tecnología. Un seminario a cargo de la escritora Belén Gaché dirigido al público interesado en literaturas no lineales, escritura expandida, poesía experimental y escritura conceptual.

Otra de las actividades que no deben perder, es el concierto con la pieza Organo, a cargo de Rodrigo Guzmán, uno de los creadores del código para la pieza. Previo al concierto se realizará una plática sobre el funcionamiento de la pieza y el código con el que trabaja. Esto se llevará acabo en la nave principal del Laboratorio Arte aLAmeda el sábado 3 de noviembre de 2012.






“Los hombres necesitan historias; si no, morirían de atrofia narrativa”1


La exposición consta de seis obras comisionadas ex-profeso para el Laboratorio Arte Alameda. El eje conceptual del proyecto se articula a partir de acciones poéticas en torno a las máquinas, el lenguaje, la codificación y la textura sonora de la narración. Cada obra, en su singularidad, se posiciona como un órgano que forma parte de un sistema complejo mayor: un discurso en torno a la cultura de la escucha – lo audible, las tecnologías de la acústica, la gestualidad de la narración, la textura sonora de la voz. De esta manera, al hablar de ‘acciones poéticas en torno a las máquinas’, nos referimos a Variaciones que acontecen a través de fenómenos como la codificación del lenguaje, el encriptamiento de la oralidad de la expresión en determinadas circunstancias que involucran la innovación de máquinas y dispositivos específicos cuyo funcionamiento tensiona tanto la voz que narra como al sistema que escucha. La narratividad que está detrás de cada una de estas máquinas parlantes y sistemas audibles, se encuentra en vínculo con la genealogía de los autómatas y el deseo implícito en la arqueología de la ciencia ficción.





Durante más de 10 años, el trabajo de Tania Candiani ha explorado diversos fenómenos y acontecimientos sociales que vinculan la estética y el lenguaje. En esta ocasión, la exposición está enfocada en procesos y artefactos que propician circunstancias fónicas, elevadas éstas, hacia intensidades de la lingüística, la sonoridad y la grafía. La cualidad fonética es expuesta a “variaciones” que pueden entenderse asimismo como “actos de mediación” asociados a instrumentos y tecnologías específicas. La variación consiste en alterar el acto mediador para generar “formas de escucha” que se alejan de lo cotidiano, al provocar desestabilización en la utilidad asignada históricamente a las máquinas y/o técnicas involucradas: el órgano, la pianola, la bordadora; la escritura, la formas sonora, la escribanía, el llamado.


Los referentes conceptuales que dieron origen a cada una de las piezas en particular y por consiguiente, a la estructura orgánica que las conecta a través de un proceso de intersección de funciones propias a su comportamiento,


#ESCRIBIR #PROGRAMAR #HABLAR
#ESCUCHAR #CODIFICAR #LEER
#PENETRAR #ESCUCHAR #VISUALIZAR
#NARRAR #INTERPRETAR #ESCUCHAR
#CONFESAR #ENCRIPTAR #BORDAR
#CONVOCAR #RESPONDER #REVELAR


señalan una investigación constante y consistente; un tipo de investigación que no se detiene en la información sino que la arroja más allá, a ese lugar que desafía la unicidad del instrumento funcional, lo resignifica desde un estado incesante de imaginación en acto. Lo presenta como una pausa en el ritmo del discurso artístico, en donde debe inscribirse la experiencia de quien visita, de quien altera, de quien cuestiona; la experiencia del “tú” al interior de la obra.

Así, las cinco variaciones que aquí operan, dejan de nombrarse en tanto cantidad para asumirse en tanto potencias, “el infinito número de posibilidades reales”. Finalmente, la variación es en sí, una provocación que convoca. El sonido de la escritura, la narrativa de la interpretación y el secreto del habla, son de este modo, nuestro punto de partida.

karla jasso


Foto por: FrhFlux


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Ana Roldán,…lifen Liu, Nuri Koerfer, Nathalie Bissig, Raoul Müller, Patrick Hari y Chantal de Höfs
06 de octubre – 11 de Noviembre 2012


Bärengasse Museum,
Bärengasse 22, 8001
8001 Zürich
Barrio: Kreis 1
044 211 17 16
www.stadt-zuerich.ch


GARASH GALERIA
Alvaro Obregón 49
Col. Roma
México D.F.
of. (52-55) 5207 9858
www.garashgaleria.com


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Curaduría: Andrea Torreblanca


Exposición colectiva que toma como punto de partida el momento en que la institución abre nuevamente el “telón” en su ceremonia inaugural. Primer Acto problematiza, desde la naturaleza social y política de este evento, la función del museo en relación con el espectador, la obra de arte, el espacio y la crítica. Por un lado, a través de elementos retóricos de la historia de la representación pictórica y teatral, como son el espejo y el telón, se pone de manifiesto el vínculo entre la expectativa que se genera antes de cualquier acto o exhibición y lo que realmente vemos reflejado en estos escenarios. Por otro lado, diversas obras critican y cuestionan a la institución como un sistema que ejerce un poder sobre el público en tanto define una forma específica de conocimiento y acercamiento al arte.





El título de esta exposición no sólo hace referencia al acto inaugural, sino a un primer capítulo, a una apertura, al comienzo de un guión y a las entradas triunfales. El caminar por una alfombra roja, abrir un telón o ubicar reflectores sobre un espacio, son prácticas que se asocian a la teatralidad y al espectáculo. Sin embargo, en este caso, el escenario principal es el museo y los actores el público, quienes se integran al espacio de representación. Por lo tanto, más que aludir a lo escénico, las obras funcionan como gestos que insinúan una atmósfera para imaginar el museo.




Artistas en la exposición:
Mark Benson, Stefan Brüggemann, Andre Cadere, Tacita Dean, Thomas Demand, Ceal Floyer, Lucio Fontana, Andrea Fraser, Douglas Gordon, Adad Hannah*, Fritzia Irizar, Adriana Lara, Natalia Martínez, Nils Nova, Goran Petercol, Wilfredo Prieto y SUPERFLEX.
Los artistas Mariana Castillo Deball, Ana Roldán y Pablo Vargas Lugo realizaron invitaciones para la reinauguración del Museo Tamayo como parte de esta exposición.


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Sep 19, 2012
Asiste este 20 de Sept a la inauguración de la exposición de ilustraciones de REEZ que durará 1 mes en Efecto Cafeína @Valladolid #76 Col Roma a partir de las 8:00pm

Nacido en Cd. Juárez Chihuahua. Actualmente vivo en la Ciudad de México donde trabajo como artista freelance independiente.
De pequeño fuí atraido por el arte, copiando los libros ilustrados de Rius hasta encontrar mi propio estilo y pulir mi trazo.
Salí de Juárez en busca de oportunidades profesionales, realizando trabajos para la ONU, Natalia Lafourcade, Hello Seahorse!, Sistemas Vocales, entre otros y asi mismo pintando murales en varias ciudades de la República. Mi trabajo no lo encasillo en una sola corriente, utilizo mayormente acrílicos, tintas, marcadores e ilustración digital, hago lo que más me gusta y estoy en una constante búsqueda para ampliar las formas de representación.

La música es muy importante para mi trabajo, ya que es de mis mayores influencias para crear, dejandome transportar por ella y plasmando lo que siento sobre el papel.


+ REEZ


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Kosmica PDF


La Federación Internacional de Astronáutica (Paris, Francia) durante el 2008 aprobó la creación del Comité Técnico para los Usos Culturales del Espacio (ITACCUS). La Federación es un organismo internacional que agrupa a todas las organizaciones espaciales activas para el avance del conocimiento, desarrollo y aplicación del espacio para el beneficio de la humanidad.

Por medio de ITACCUS, la Federación ha reconocido la importancia de la participación activa de la cultura y las artes dentro de las agendas espaciales a nivel mundial. ITACCUS tiene como propósito promover y facilitar los usos innovadores del espacio dentro de la comunidad artística y cultural. Con este fin, en el 2010 The Arts Catalyst (Londres) junto con el Coordinador de ITACCUS Nahum Mantra (México) comenzaron con una serie mensual de encuentros galácticos llamado KOSMICA.

KOSMICA es una curaduría que se ha realizado en Londres, Liverpool y París para todo aquel que esté interesado en explorar y compartir el espacio de una manera original, cultural y alternativa. Cada sesión es diferente, con un mezcla de presentaciones-performance, talleres, debates, pláticas, eventos sonoros, presentaciones de videos y pláticas sobre los usos artísticos y culturales del espacio.


Jueves 27 de septiembre

7pm – Entrada

7.20pm Nahum junto con The Arts Catalyst organiza la serie KOSMICA, la cual se ha realizado regularmente en ciudades como Londres, Paris, Liverpool y ahora Ciudad de México.

7.30pm Roger Malina con su plática Artes Espaciales contextualizará a los artistas que han trabajado en temas espaciales, así como la evolución de esta intersección arte y ciencia.

8.15pm Nelly Ben Hayoun hará una presentación titulada Ground Control: Una Opera en el Espacio, en donde expondrá su más reciente trabajo como artista residente en la NASA. En esta residencia Nelly fundó la primera Orquesta Internacional.

9.35pm Juan José Díaz Infante narrará su experiencia en el proyecto satelital Ulises así como de la creación del Colectivo Espacial Mexicano.

Viernes 28 de septiembre

7pm – Entrada

7.30pm We Colonised The Moon, está integrado por Sue Corke y Hagen Betzwieser. Dentro de Kosmica realizarán un performance-plática sobre el olor de la Luna y el sabor del universo.

8.15pm Rob La Frenais, es el curador de The Arts Catalyst y nos platicará sobre su curaduría más reciente en FACT, Liverpool llamada La República de la Luna, una micronación para los puntos de vista alternativos sobre la vida en la Luna.

9.35pm Regina Peldszus presentará una introducción a la arquitectura y diseño relacionados con los vuelos tripulados espaciales a través de un conteo de sus artefactos favoritos relacionados con el elemento humano. La presentación incluirá simuladores de trajes espaciales hasta chistes y bromas en órbita.

10.20pm Ariel Guzik presentará un perfomance sonoro comisionado exclusivamente para el primer encuentro KOSMICA México.

Sábado 29 de septiembre

4.30pm – Entrada

5pm Jill Stuart es una de las pocas expertas en derecho y polítca espacial en la Tierra. En su presentación responderá a la pregunta ¿a quién le pertenece el espacio?

5.45pm Ale de la Puente presentará un performance-plática del trabajo reciente desarrollado en colaboración con el Instituto Nacional de Astronomía. Donde el universo palpita, un timón, una nave… un horizonte vecino del tiempo, invitan al hoyo negro a decir sus secretos.

6.50pm Lyn Hagan narrará el proceso de la creación de LifeInSpace, una organización que realizó una serie de vuelos parabólicos para desarrollar arte en entornos extremos. También nos platicará sobre su próximo proyecto en Marte con la Agencia Europea Espacial.7.40pm Proyección del documental She Should Have Gone To The Moon por Ulrike Kubatta. Este documental presenta la historia de una mujer que fue entrenada en un programa secreto de la NASA para la misión del Apollo.

8.50pm Antígona Segura, además de querer ser rumbera, quería conocer vida en otros planetas. Así, se ha convertido en una de las astrobiólogas más reconocidas en México y nos platicará sobre la vida en otros planetas.

9.35pm Nicola Triscott es directora de The Arts Catalyst en donde a lo largo de varios años desarrolló el proyecto Zero G, una serie de residencias artísticas en vuelos parabólicos. En su exposición nos mostrará los resultados de esta residencia con gravedad cero.

10.30pm Coctel galáctico a cargo de Arto.



PDF
^ Click2PDF



+ kosmicamx.com


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Al término de la primera Guerra Mundial la Europa sobreviviente se sentía abrazada por la muerte y la devastación; esto significó el comienzo de una serie de transformaciones que, inscritas en la nostalgia, provocaron en los artistas el deseo de re-vivir la existencia que les podría ser arrebatada de un momento a otro. La poesía, en muchos casos, fue la nueva herramienta para poder sobrevivir en un mundo convulsivo, y se convirtió en el arma que se fabricó a partir del deseo de manifestar la inconformidad contra las “racionales” estructuras de poder





Partiendo de un principio hidrodinámico, formulado en la física de Pascal, los vasos comunicantes son recipientes comunicados entre sí, generalmente por su base. En cada uno de los continentes, el contenido alcanza el mismo volumen. Este principio fue reformulado por André Breton y es el concepto central que permite plantear en esta exposición los nexos entre artistas y pensadores europeos y americanos, definiendo al Surrealismo como una vanguardia que permitió que Europa y América alcanzaran el mismo nivel de enunciación en sus propuestas plásticas. Este principio físico nos permite mostrar el proceso por el que dos o más continentes, unidos entre sí, siempre aspirarán a tener el mismo nivel de importancia en una enunciación de muchas voces, ya que en la historiografía del arte, América permanece con frecuencia como el continente relegado. Ante los contactos de Breton y de otros surrealistas con un universo cultural distinto al suyo, ante la asimilación de los principios surrealistas elaborada por artistas latinoamericanos, planteamos que el Surrealismo es el tubo que une a los continentes (entendidos en ambos sentidos: el geográfico y el físico) y, por tanto, la vanguardia que le permite a América adquirir el mismo nivel de enunciación plástica que Europa





En el marco de su programa de exposiciones temporales el Museo Nacional de Arte presenta la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, con la finalidad de divulgar un fenómeno histórico que determinó la creación artística en el continente europeo y en América.
Con colaboración de colecciones extranjeras como la del Centre Georges Pompidou-Museo Nacional de Arte Moderno de París, e instituciones mexicanas y extranjeras, una selección de obras pertenecientes a colecciones institucionales y privadas de México, Estados Unidos y Europa. Se mostrarán al público alrededor de 120 ejemplos de obras surrealistas, en los cuales se incluyen pinturas, fotografías, esculturas y fragmentos fílmicos de artistas que fueron figuras clave para la emergencia de este movimiento.





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Hasta el 22 de Julio. ¡Últimos días!


Durante las décadas de los sesenta y setenta surgieron en México un conjunto de prácticas artísticas interesadas en investigar fenómenos relacionados con el movimiento y la transformación. De este interés surge la categoría de arte cinético, un término que se desprende del griego Kino que significa movimiento. Lo que se conoce como arte óptico – obras generalmente bidimensionales que exploran un movimiento o transformación potencial – también encaja dentro de esta categoría, que incluye además, piezas que investigan estos fenómenos a través del uso de componentes mecánicos, lumínicos y sonoros. Estos dispositivos tecnológicos sirven como agentes de estimulación sensorial que dan pie a una nueva experiencia de la obra de arte.


Esta exposición busca presentar una selección de la producción cinética realizada en México durante las décadas de los sesenta y setenta. Las piezas que se muestran representan las primeras prácticas artísticas que, de manera sistemática, introdujeron nuevos materiales industriales y dispositivos tecnológicos en sus soluciones con el fin de articular, entre otras cosas, situaciones sensoriales complejas con las que se buscaba redefinir la relación entre la obra de arte y el espectador. Estas innovaciones formales se encontraban acompañadas de ciertas preocupaciones temáticas de la época relacionadas, entre otras cosas, con el contexto cultural global de la posguerra o con el particular momento de desarrollo modernizador que México experimentaba. En su conjunto, la exposición busca dar visibilidad a este grupo de prácticas artísticas que es ampliamente desconocido hoy en día y de esta forma, reconsiderar su relevancia.





Daniel Garza Usabiaga
Curaduría MAM

Horarios:
Martes a domingo: 10:15 a 17:30 horas
Admisión: $25.00 MN
Entrada gratuita: con credencial de profesor, estudiantee INAPAM
Domingo: entrada libre general
Amigos MAM: gratis

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec Tel. (55) 5553-6233


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por Carlos Gamboa

 

Ernesto Neto
Lo primero que me llamó la atención fue la explotación del concepto de línea en sus dibujos y esculturas, después, la cera me recordó a Levy Strauss y los cuentos amazónicos de las mieles afrodisiacas y venenosas; un par de salas más adelante me sorprendieron los aromas a comino y azafrán. También tuve un reencuentro con las bolitas de unicel que siempre me han parecido tóxicas.
El caso es que visitando la muestra de Ernesto Neto tuve diversas sensaciones, reflexiones y emociones a través de un sólido, pero no aburrido, discurso plástico y escultórico. Podemos ver dibujos, instalaciones, registros fotográficos, esculturas  e interactuar con algunas piezas.
Es interesante observar la obra de un artista que también es biólogo; que expone sus reflexiones y nos describe su amplio y diverso imaginario. Cual si visitáramos una selva personal; Ernesto Neto nos enseñarnos la lengua y nos deja observar su interior.
La exposición se llama La Lengua de Ernesto y es un recuento de las obras realizadas entre 1987 y 2011. Está en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, centro de la Ciudad de México, hasta el 9 de septiembre. Vale la pena visitarla, vayan preparados para quitarse los zapatos en varias ocasiones.


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FLYERS: